Eluveitie - Helvetios

            Sendo talvez uma das bandas mais icônicas da nova geração do Folk Metal, o Eluveitie entra em 2012 lançando seu primeiro disco conceitual, e quinto disco de inéditas, intitulado “Helvetios”. Depois do muitíssimo bem recebido “Everything Remains As It Never Was” (2010), a banda fez uma bem sucedida turnê ao redor do mundo, passando inclusive por terras brasileiras duas vezes antes do lançamento do novo trabalho.

            Quando eu comentei o disco de 2010, havia dito que a banda alcançara um equilíbrio perfeito entre as sonoridades de seus três trabalhos anteriores, resultando em um álbum coeso e que definitivamente cravara o nome dos suíços no cenário do Folk Metal. Pois bem, mas agora com o novo disco a banda conseguiu me surpreender mais uma vez. Eu sinceramente esperava que se seguisse o molde de “Everything Remains...”, naquele mix de sonoridades atingido, porém o que ouvi logo de cara na primeira audição foi que eles conseguiram incrementar ainda mais o seu som, moldando dessa forma uma sonoridade que se torna mais única e representativa ainda. Um ponto positivo já de partida.

             Sendo este “Helvetios” um disco conceitual, contando a história das guerras gaulesas contra os romanos, nada mais correto do que começar os trabalhos com uma narração, aqui chamada apenas de ‘Prologue’. A voz de um homem velho, que aparenta ter vivido e visto muitas coisas, com ao fundo o som do mar, dá o clima dessa abertura, que emenda com a faixa-título quando começam a soar as flautas que se tornaram marca registrada do Eluveitie.

            E esta faixa-título já dá amostras do que eu dizia sobre mais uma vez conseguir balancear todas as fases da banda. Temos bastante peso e agressividade, corais ao fundo, muitas flautas e outros instrumentos exóticos, sintetizando muito essa proposta helvética de fazer metal folclórico.

            Logo em seguida temos a fantástica ‘Luxtos’, que é a minha favorita. Mais peso e mais folk, tudo perfeitamente ajustado em uma química irretocável. O refrão espetacular em gaulês (eu ao menos acredito que o seja, me corrijam se estiver errado) é absolutamente empolgante, que te faz cantarolar junto mesmo não tendo a menor ideia do que se esteja cantando. Com certeza um dos grandes destaques.

            Um pouco mais cadenciada é a faixa seguinte, ‘Home’. Essa sim parece um pouco mais com o que se ouviu no disco anterior, mas mesmo assim tem uma aura própria muito interessante. Menos veloz, porém com o mesmo peso e vigor das demais. Mais uma bela faixa e muito inspirada e ‘Santonian Shore’, com a veia folk mais presente no começo e que alterna com momentos de puro death metal melódico ao longo do seu caminho. Bastante criativa e outros dos bons momentos do disco.

            ‘Scorched Earth’ parece como um mantra druida que invoca a sabedoria dos ancestrais celtas, pedindo ajuda na violenta luta contra os opressores romanos. Claramente uma reminiscência do disco experimental “Evocation I: The Arcane Dominion” (2009), chegando quase a ser hipnótica, mística e mágica. Uma faixa que provavelmente desagrade alguns fãs, mas que pessoalmente eu gostei muito e que se encaixa na proposta conceitual do disco.

            Logo a seguir a pancadaria volta à tona, ‘Meet The Enemy’ talvez seja a canção mais metal do disco, com passagens folk mais comuns, digamos assim, porém eficientes e sempre bem elaboradas. Uma boa faixa, mais reta e pesada, porém não chega a ser um dos maiores destaques. E nessa mesma batida vem ‘Neverland’, também direta e reta, com boa pegada folk e um ótimo refrão. Mas é preciso dizer que talvez essa dupla represente o momento de menos brilho no álbum.

            Porém a audição ganha nova força agora com a excepcional ‘A Rose For Epona’. É uma faixa mais light, com flertes com o pop para alguns mais extremistas, mas dizer isso seria tolice, pois mesmo não sendo nada ortodoxa, essa é uma canção com vigor, pegada e peso na medida certa. E o fato de ela ser cantada inteiramente por Anna Murphy garante um quê a mais, pois isso de fato é algo incomum no repertório da banda.  Mais um grande e empolgante refrão. Outra das minhas favoritas.

            O que foi tentado em ‘Meet the Enemy’ resultou em melhor fruto com ‘Havoc’, muito pesada e agressiva, com a faceta do folk, baseada principalmente em violinos acelerados, construída de uma maneira mais notória e impactante. Decididamente uma que deu consideravelmente mais certo que a antes citadas. Uma peça furiosa e repleta de energia.

            ‘The Uprising’ é outra boa faixa, mas que caminha por meios mais comuns e que não tem grandes destaques a comentar.  ‘Hope’ é um interlúdio instrumental bonito, mas não de grande notoriedade. Mas então temos uma pérola, o tiro curto ‘The Siege’, de peso cavalar, violinos bem encaixados e backing vocals de Anna muito interessantes.

            Encaminhando o derradeiro fim, nos chega ‘Alesia’, que propicia um dueto muito bom entre Chrigel e Anna, mesclando a beleza da voz feminina com a ferocidade da masculina de uma forma solta e tranqüila sem virar aquele clichê típico. Mais uma que mantém o nível do disco alto. 

            Mais um interlúdio, narrado dessa vez, para a coleção: ‘Tullianum’. E esta se junta com ‘Uxellodunon’, canção competente apesar do pouco que tem a oferecer de novo. É de fato uma boa canção, mas talvez fosse preciso uma faixa de maior destaque pra encerrar as “músicas em si” do disco.

            E a história termina como começou. ‘Epilogue’ nos traz de volta o narrador concluindo seu relato, para em seguida uma breve e bela sessão instrumental aliada a um coro deu o clima definitivo de desfecho. Da forma como foi, não poderia ser melhor.

            É um disco de muitas faixas, com alguns interlúdios que poderiam ser tranquilamente cortados. Mas mesmo assim de forma alguma é uma audição cansativa ou que se arrasta demais, muito pelo contrário até, sendo absolutamente agradável e empolgante. Apesar de um ou outro deslize afirmo que “Helvetios” já esteja brigando pelo topo da discografia do Eluveitie, sendo um disco forte, firme e muito coeso, denotando uma banda criativa e irrequieta que não cansa em esmerar mais e mais a arte que faz.

            É provável que tenham notado que durante o texto não mencionei nenhum destaque individual entre os músicos. Preferi não o fazer por em uma banda de sete membros, e tão entrosados e afinados entre si, acredito que seria injusto apontar os destaques individuais de cada músico. 

            Por fim, um senhor disco que os amantes do Folk Metal com certeza apreciarão muito. Compre e não se arrependa!

O Eluveitie é:

Chrigel Glanzmann – Vocals, Acoustic guitars, Mandolin, Uilleann pipes, Bodhrán, Tin and low whistles, Gaita

Meri Tadic – Fiddle, Vocals

Merlin Sutter – Drums

Ivo Henzi – Guitars

Sime Koch – Guitars, Vocals

Anna Murphy – Hurdy gurdy, Vocals

Päde Kistler – Bagpipes, Whistles

Kay Brem – Bass

Track List:

1. Prologue    01:24
2. Helvetios   04:00
3. Luxtos      03:56
4. Home       05:16
5. Santonian Shores     03:58
6. Scorched Earth      04:18
7. Meet the Enemy   03:46
8. Neverland    03:42
9. A Rose For Epona   04:26
10. Havoc   04:05
11. The Uprising    03:41
12. Hope   02:27
13. The Siege   02:44
14. Alesia   03:58
15. Tullianum   00:24
16. Uxellodunon    03:51
17. Epilogue   03:16

Nota   9

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Nightwish - Imaginaerum

       Tenho uma página em branco na minha frente e não sei muito bem como começar. Existem muitas coisas a serem ditas a respeito deste “Imaginaerum”, o sétimo álbum de inéditas de uma das maiores bandas finlandesas de todos os tempos e um dos expoentes do que se convenciona chamar de metal sinfônico, o Nightwish. Bem, acho que a mais importante é: a espera de longos quatro anos sem material novo valeu a pena. E muito.

      A banda conseguiu se reeguer depois de um período muito difícil, cheio de dúvidas e incertezas, onde o futuro era sombrio e os descrentes uma verdadeira legião. O intenso trabalho de composição do incansável Tuomas Holopainen, assim como os esforços dos demais membros da banda, ao longo desses anos resultou em um trabalho soberbo, que concretiza e estabelece definitivamente o nascer de uma nova era para a banda.

    “Imaginaerum” é um disco grandioso, impactante, repleto de vieses e facetas que se desdobram de forma espetacular, criando assim uma verdadeira obra de arte: rica, variada, pomposa e emocionante. Vai de baladas de veia pop até as bombásticas orquestrações de trilhas sonoras hollywoodianas, passando por uma profusão étnica, folk e de elemntos dos mais diversos e imprevisíveis, forjando assim um trabalho único e que transborda criatividade.

      O disco já abre de uma forma bastante incomum. 'Taikatalvi' é uma intro em em finlandês cnatada por Marco que me soa como uma canção de ninar, bela, lúdica e com um quê mágico irresistivel. Um início de audição muito interessante, que cativa o ouvinte logo de cara.

     Logo na sequência chega 'Storytime',o primeiro single do disco e a primeira que ouvimos, ainda lá em novembro. Como eu já tinha comentado, uma música fantástica, grandiosa e realmente impressionante e um single de muito respeito. Anette muito segura e confiante, solta e num tom muito agradável. E mesmo com tantos elogios, é preciso dizer: não é a melhor do disco!

    A próxima tem uma clara influência de Van Hallen da época dourada da banda americana. Durante o acampamento de verão da banda, onde muita coisa foi composta, foi comentado por eles que haveria uma música assim, mas acredito que nínguem suporia que fossem assim evidente. Esta 'Ghost River' tem bastante peso, teclados oitentistas, um coral de crianças sensacional e uma letra sombria. As interpretações de Marco e Anette são impecáveis, versáteis e teatrais. Destaque especial para a atuação de Emppu também. Um dos grandes destaques.

    As luzes diminuem e o ambiente fica enfumaçado e com cheiro de bebida no ar. 'Slow Love Slow' é um perfeito jazz de cabaré, onde Anette canta de forma doce e suave, acompanhada por uma melodia de piano tocante e uma banda que parece encarnar o espírito de New Orleans. Talvez a faixa mais peculiar do disco, carregada de uma melancolia bela e marcante, que denota a o talento de Tuomas como compositor que não se prende aos próprios clichês.

     Do escuro cabaré pulamos para uma animada festa folk com 'I Want My Tears Back', que logo de cara nos manda os mais típicos riffs do Nightwish, que logo incorpora acordeões e bagpipes criando um clima folclórico maravilhoso e empolgante. Do meio para o fim temos uma fanfarra de instrumentos folk aliados a guitarra e a bateria que redunda num verdadeiro extâse musical de tirar o folêgo. Uma das minhas favoritas!

      'Scaretale' é um pesadelo. Um daqueles pesadelos que todo mundo já teve, de se ver em algum lugar meio sombrio e de repente se ver cercado de coisas assustadoras e não ter para onde correr. A música parece uma peça de teatro, ou um número circense, de elementos lúdicos que facilmente podem se tornar assustadores de uma hora para outra. As orquestrações são invcríveis, jogando o clima da canção nas alturas. As variações ritimicas dão a impressão de uma viagem tortuosa repleta de altos e baixos impulsionada por sons e melodias exóticas. Uma pequena obra-prima.

      Unindo-se a esta última temos 'Arabesque', uma faixa instrumental de ritmos e batidas árabes aliadas a orquestra, numa profusão estonteantes de sons que se sobrepõem uns aos outros, construindo uma aura tão alta que é de ficar embasbacado.

     Despedidas nem sempre precisam ser um adeus, mas quem sabe apenas um até logo. É mais ou menos essa a ideia por trás da lindíssima 'Turn Loose the Mermaids'. Tuomas contou que compôs após o seu avô ter falecido, quando viu sua avó se despedindo dele, oque o deixou profundamente mexido na época. Pode-se dizer que é uma canção triste, mas que mostra esperança, de que no futuro aqueles que se separaram ainda vão se reencontrar. Tem belas melodias de piano, uma leve mas marcante veia folk e um feeling tocante que mexe com qualquer um que já tenha perdido um ente querido. Tem uma certa influência de My Dying Bride. Quem sabe a mais bela canção do grupo.

      A audição segue agora com 'Rest Calm'. Esta tem uma estrutura um pouco diferente do comum, pois seu refrão não explode nas alturas, de certa forma pegando o ouvinte desprevenido. Mas é uma grande canção, com muito feeling, onde mais uma vez Anette e Marco dão show. Outra vez temos o coral de crianças, entonandoo refrão perto fim da faixa, de forma fabulosa. Emppu manda excelemtes riffs e solos, a bateria de Jukka é precisa e de impacto e os teclados clássicos garantem um clima especial. Faixa épica e grandiosa, mais um excepcional destaque!

     'The Crow The Owl and The Dove' conta com a participação especial Troy Donockley (gaitista que já tocara com abanda no “Dark Passion Play”) nos vocais, fazendo um excelnete dueto com Anette. É uma canção de veia mais pop, mas nem por isso é ruim, muito pelo contrário, pois faz com que o disco não soe repetitivo e que abusa das mesmas fórmulas. Grande canção e a letra é maravilhosa.

     A próxima faixa é a que eu, pessoalmente, considero como a melhor disco: 'Last Ride of The Day'. Empolgante, grandiosa, com orquestrações soberbas e um refrão de tirar o fôlego. Anette se mostra mais a vontade do que nunca, dando o melhor de si, em um espetáculo de versatilidade e emoção ao interpretar. Muito interessante a letra também, bastante positivista e inspiradora, trazendo de volta à tona a velha faceta mais iluminada do Nightwish.

     O fim se aproxima e agora temos a longa 'Song of Myself'. Como nas demais canções, as orquestrações são o grande destaque, mostrando-se extremamente bem compostas e que levam o ouvinte para um passeio em uma montanha russa de sensações. Dividida em quatro partes, os 13 minutos da faixa tem de música em si a metade desse tempo, sendo a outra metade uma espécie de poema, narrado por várias vozes muito distintas. Vale muito a pena prestar bem atenção no que esse poema diz, pois são palavras verdadeiras e sinceras que nos fazem parar para refletir sobre nossa própria vida.

    E a viagem chega ao fim com a faixa que dá título ao álbum. Um medley de todas as músicas, uma retrospectiva de todas as emoções que sentimos nessa insana jornada pelo mundo da imaginação e fantasia, do passado e do futuro, das alegrias e das tristezas. Um final apoteótico para um disco que beira o limite da perfeição.

    “Imaginaerum” é um trabalho de afirmação. Simplesmente deixa o seu antecessor comendo poeira (e olha que eu acho ele um disco realmente bom). Na comparação com o último trabalho, eu sinto que este é mais coerente, mais firme, mais sólido. É tão longo quanto, porém os 75 minutos de audição passam voando, sem por um segundo se tornar cansativo ou muito massante. E ainda é preciso dizer que este é um álbum é mais alegre, mais luminoso, mais otimista, onde a escuridão aparece mas não é o grande destaque.

    Anette é agora parte da banda, querendo os puristas ou não, está confiante e segura de si, dando seu melhor e mandando realmente muito bem sem medo de ser feliz.

    Tuomas sabe compor para orquestra, diferentemente de outros artistas desse estilo que geralmente apenas jogam alguma orquestração qualquer em cima da música. O que ele escreve é genuíno, ele sabe o que faz, e o fato de ter o apoio de outros compositores que colaboram faz com que essa música seja ainda mais verdadeira e orgânica.

    Marco, Jukka e Emppu completam o time dando a liga que fez dessa banda o sucesso que ela é. Eles igualmente são ótimos músicos, que colaboram em todo o processo de composição e produção do disco, se tornando assim uma parte imprescindível da banda e que merece ter igual destaque que as figuras de Tuomas e Anette.

     Não vou me atrever a afirmar categóricamente que este seja o melhor disco do Nightwish, pois cada um dos disco que eles já lançaram são únicos e especiais. Porém eu posso afirmar que ao lado de “Once” (2004), “Imaginaerum” ocupa o topo da discografia da banda, podendo assim estar na categoria de obra-prima.

     Vocês já notaram que eu me alonguei demais nesse comentário, então vamos ao finalmentes: um dos discos do ano, que bem dizer fecha 2011 com chave de ouro. Um trabalho riquíssimo, que alia a raíz folk européia com a grandiloquência orquestral e todo o carisma que esses finlandeses fizeram se tornar sua marca registrada ao longo dos anos.

     Parabéns Nightwish, e que continue nos presentenado com muito e muitos discos tão incríveis quanto este ao longo dos anos!

O Nightwish é:

Anette Olzon – Vocais

Tuomas Holopainen – Teclado e piano

Jukka Nevalainen – Bateria e percussão

Marco Hietalla – Baixo e vocais

Emppu Vuorinen – Guitarra

Track List:

1. Taikatalvi (02:35)
2. Storytime (05:22)
3. Ghost River (05:28)
4. Slow, Love, Slow (05:50)
5. I Want My Tears Back (05:07)
6. Scaretale (07:32)
7. Arabesque (02:57)
8. Turn Loose the Mermaids (04:20)
9. Rest Calm (07:02)
10. The Crow, the Owl and the Dove (04:10)
11. Last Ride of the Day (04:32)
12. Song of Myself (13:37)
13. Imaginaerum (06:18)

     A Laser Company vai lançar o disco aqui no Brasil em versão dupla (sendo o CD2 a versão instrumental) por preço de CD simples. E você já pode compra-lo na pré-venda oficial neste site http://imaginaerum.com.br/ Se eu fosse você não perdia! ;D

    E antes de terminar, queria mandar uma abraço aos meus amigos que conheci por causa da banda: Rafael, Isadora, Jaime, Miss, Arianne, Luciana, Julie, Amanda, Oyafuso, Rafaela, Thiago, Luiz, João, Diego, Yuri, Malú, Juscelino, Diego, Gílson, Chrissy e todo o resto do pessoal da comunidade do Orkut dos velhos tempos e agora da página do Facebook (desculpe se esqueci de alguém! XD). Vocês são demais!

Nightwish - Storytime (Single)

Storytime é o primeiro single de  divulgação do novo disco de inéditas do Nightwish, intitulado "Imaginaerum" e que será lançado ainda no fim deste mês de novembro. Muito bem, depois de dada a apresentação formal, vou falar o que achei da música de uma maneira que decididamente não é o meu usual: PUTA QUE PARIU O QUE É ISSO?????????????

Não foi pouca a minha supresa ao ouvir a música quando a mesma foi tocada por uma rádio finlandesa alguns dias atrás. Eu já estava com a expectativa muito alta para como resultado de mais de quatro anos de trabalho árduo de Tuomas Holopainen e sua trupe, porém essa expectativa foi superada de uma forma tão intensa que mal pude acreditar no que ouvia.

Temos aí uma mistura estonteante de tudo o que de bom esse gigante do metal sinfônico que atende por Nightwish já criou. Temos orquestraçãos monumentais, no mais puro e genuíno clima de trilha sonora de filme épico. Corais grandiosos e imponentes que jogam a faixa nas alturas. Um refrão daqueles que promete empolgar platéias ao redor do mundo na próxima turnê. Uma dose muito genorosa de peso (ainda mais tratando-se de um single). Os riffs marcantes de Emppu Vuorinen, a bateria sempre correta de Jukka Nevalainen e o baixo discreto mas muito competente de Marco Hietala. Também, óbviamente, as linhas de teclados singelas e quase lúdicas de Tuomas.

E não haveria como não destacar a performance impecável de Anette Olzon. Quando entrou na banda foi jogada sem piedade numa fogueira daquelas, sofrendo maus bocados por causa de fãs imbecis, mas de qualquer forma teve uma estréia digna em Dark Passion Play. Mas agora, cinco anos depois, ela está completamente a vontade, mostrando todo seu potencial e talento, cantando solta e despreocupada. Desta vez o disco foi composto pensando na voz dela, e não numa incógnita como fora da última vez. Podemos dizer então que agora ela pegou de vez o cargo de frontwoman do Nightwish e não vai largar facilmente! :D

Uma imagem  que me ocorreu nas primeiras que a ouvi a faixa, foi a de um monumento muito grande, que faz o observador ter que olhar para o alto e para os lados, tomando toda sua atenção e o enchendo de detalhes que compõe uma peça fantástica, para então se tomar consciência da grandeza que esta diante de si. Isto é Storytime.





Muito bem, dado o que já se ouviu através do single e mais das samplers que andam circulando por aí, além das resenhas feitaspor jornalistas europeus que já tiveram  prazer de ouvir o disco completo, creio que possamos ter a muito forte suspeita que estamos prestes a receber o melhor disco da história do Nightwish.

Não sei quanto aos amigos leitores, mas eu estou ansioso ;)

Pain of Salvation - Road Salt Two

         Daniel Gildenlöw e sua trupe estão de volta. O Pain of Salvation é uma das bandas mais representativas da cena progressiva na atualidade, sempre lançando discos ousados, de temáticas variadas e sempre carregadas de profundidade e reflexão. Daniel é um músico inquieto, que está sempre em busca de novas possibilidades para sua arte, jamais se acomodando em uma única sonoridade, desbravando novas e obscuras águas e quase sempre desafiando os admiradores de seu trabalho a embarcar em uma nova aventura.

     O que temos agora é a segunda parte do disco lançado ano passado, “Road Salt One”, que recebe o sub-título Ivory. Este “Road Salt Two” (Ebony), como pode-se reparar tanto pelas capas quanto pelos sub-títulos, é uma espécie de antagonismo do trabalho anterior. A concepção é a mesma, apostando alto em psicodelismo e na veia latente dos anos 60 e 70 que se ouviu na primeira parte da obra, porém com um certo quê mais obscuro, um tanto agoniado talvez, com ares mais complexos e divagantes. Uma comparação interessente seria dizer que a primeira metade é quase reta, enquanto que a segunda é tortuosa e cheia de revés que atiçam ainda mais a imaginação do ouvinte.

       A introdução 'Road salt Theme' é uma peça retrô, de estilo cinematográfico. Realmente linda e logo dá o tom do que há de se ouvir mais adiante. 'Softly She Cries' vem na pegada Hard Rock setentista que já se ouviu em RS1, com guitarras de timbres marcantes e repletas de distorção e um clima denso e psicodélico.

     Ainda mais anos 70 que a faixan anterior, 'Conditioned' já começa com uma levada de guitarra empolgante. É uma canção menos complexa, mas que compensa bastante pelo belo ritmo balançante e os momentos viajantes propiciados pelas ótimas linhas de teclado. 'Healing Now' é uma canção bem dizer acústica, com uma profusão de dedilhados e notas trêmulas que flutuam de uma forma encantadora. Uma ótima faixa com uma excepcional interprteção de Daniel nos vocais.

      O psicodelismo vem com tudo em 'To the Shoreline', que munida também de elementos bem progressivos resulta numa faixa cativante, com Daniel cantando muito bem, com interpretação marcante, emotiva e repleta de feeling. Assim como o RS1 teve momentos que remetiam aos trabalhos mais antigos da banda, novamente temos uma faixa com cara mais tradicional: 'Eleven'. Bem pesada, com altos e baixos impressivos e carregada de uma atmosfera tensa. Mas aomesmo tempo consegue agregar as características da nova sonoridade da banda. Nota para a destacada atuação do baterista Leo Margarit.

        Logo em seguida temos a uma muito simples, porém lindíssima, '1979'. É curta, pouco complexa e sem grandes atrativos técnicos, mas que conta com Daniel mais uma vez se superando na forma de dar vida à canção com sua voz, alguns instrumentos mais exóticos discretamente colocados e uma aura de encantadora simplicadade. E ainda temos a letra maravilhosa, que consegue tocaros sentimentos de qualquer pessoa que já deixou a adolescência para trás.

     'The Deeper Cut' é outra que remete a progressividade original da banda. Também tem um ar pesado, nervoso e denso. Belas linhas de guitarra, baixo satisfatóriamente atuante e a bateria destacada uma nova vez, ditando com maestria o ritmo da música. E nesse mix de passado e presente que marca tão profundamente a fase atual do Pain of Salvation chega 'Mortar Grind' (que já constava no EP “Linoleum” do começo do último ano). Pode-se dizer que seja a mais pesada do disco, com mais cara de metal, porém repleta de momentos calcados em épocas passadas e ainda em outras pirações de Daniel Gildenlöw.

       'Through the Distance' é irmã gêmea de '1979', ambas se completando perfeitamente. O mesmo clima, a mesma emotividade, a mesma sensação de saudade. Outra pérola.

      Chegando próximo ao finalda viagem, temos a mais progressiva e mais diversificada canção do disco: 'The Physics of Gridlock'. Um pequeno épico de oito minutos, divididos em três partes distintas. Temos peso, distorção, devaneios e psicodelismo a valer, alternando-se com sonoridades exóticas e uma certa atimosfera de júbilo e grandiosidade, realmente o encerramento de uma saga. O grande e mais substancial atrativo é a útima parte, cantada em francês, língua que deu ainda mais emotividade a interpretação de Daniel e encerrando em altíssimo estilo esta insana viagem que nos foi ofericida.

     E o adeus definitivo se dá com 'Ending Credits', do mesmoestilo da abertura do disco, cinematográfica. Uma bonita canção instrumental,que realmente dá a sensação de ser a trilha do final de um filme em preto e branco enquanto sobrem os crédtios finais, colocando um ponto final na rica e abstrata aventura que acabamos de ter.

       Sobre o tema do disco, novamente não me arrisco a dar qualquer parecer. Antes de mais nada, cada uma dessas canções tem a intenção de significar algo pessoal e marcante para cada ouvinte, individualmente, sem necessitar de uma história explícita e que todos devam aceitar.

        Já disse uma vez que considero Daniel Gildenlöw um verdadeiro gênio, megalomaníaco e excêntrico, mas um gênio. E a coragem dele em fazer o que bem quiser, o que o seu senso de artista pede, faz com que eu o admire ainda mais. Essa saga de Road Salt é mais uma ótima obra desenvolvida por ele , e que consagra mais e mais o Pain of Salvation como uma das bandas mais criativas do cenário metálico contemporâneo.

Toda a arte do disco é muito bonita também, e embelezará sua coleção se você adquirir. Não perca!

Nota 9

O Pain of Salvation é:

Daniel Gildenlöw – Vocais, guitarras e baixo

Johan Hallgren – Guitarra e vocais adicionais

Fredrik Hermansson – Teclado, piano, orgão e mellotron

Léo Margarit – Bateria e backing vocals

Track List:

1. Road Salt Theme (00:45)
2. Softly She Cries (04:18)
3. Conditioned (04:30)
4. Healing Now (04:34)
5. To The Shoreline (03:03)
6. Eleven (06:28)
7. 1979 (02:53)
8. The Deeper Cut (06:14)
9. Mortar Grind (05:49)
10. Through The Distance (03:00)
11. The Physics Of Gridlock (08:43)
12. End Credits (3:25)

Pain of Salvation Official Homepage

  

Opeth - Heritage

        Existem bandas que fazem música, e existem bandas que transformam sua música em verdadeiras obras de arte. O Opeth, ao longo de seus vinte anos de carreira, decididamente entrou nesse hall de bandas que transcendem o mero ato de fazer música e se tornam lendas dentro de um cenário artístico.

Mikael Akerfeldt e sua trupe fizeram fama com a revolucionária ideia de unir o peso, a distorção e a violência do Death Metal com toda a técnica e complexidade do progressivo. Alternando guturias poderosos com cristalinas passagens de vocal limpo, levando os fãs por intensas e sombrias viagens, indo muito fundo na cerne humana. Mas agora Mikael decidiu ousar. Em “Heritage” não há nem sombra de qualquer coisa que remeta a Death Metal, nenhuma passagem em gutural, sem pancadaria ou virulência. O que ouvimos ao longo da audição é o que poderíamos comparar a discos de rock progressivos dos anos 70.

       Sim, não temos Death Metal no disco. Mas mesmo assim, é um disco 100% Opeth. Ao longo dos anos eles conseguiram criar uma sonoridade única, tão própria e original que, mesmo inventado de trilhar outros caminhos que não o habitual, continuam soando como sempre. As composições ainda são soturnas, sombrias e marcantes, que envovlem o ouvinte e o fazem mergulhar em um universo de sombras e medos escondidos. É um Opeth com outra cara, mas sem em momento nenhum deixar de ser Opeth.

      Muito bem, isso ficomuito claro logo de cara na faixa instrumental que abre e dá título ao disco. 'Heritage' é uma bonita e impressiva melodia de piano, que dá o tom do que há de se ouvir no decorrer dos trabalhos. Tem a marca resgistrada das composições de Akerfeldt: uma melancolia sublime, linda apesar de triste, e que transborda feeling. Abertura digníssima.

       Logo em seguida temos o single, 'The Devils Orchard'. Sobre ela vou repetir o que escrevi quando ela foi divulgada algum tempo atrás: o começo lembra um pouco Dream Theater, soando de uma forma absolutamente progressiva. Ela segue e ganha contornos levementes psicodélicos, com as linhas de teclado propiciando essa sensação, assim como riffs distorcidos e as batidas da bateria soando secas e num ritmo hipnótico. Ao mesmo tempo que existe essa faceta psicodélica, a canção é absolutamente sombria, sendo essa uma das marcas registradas da banda. O refrão, onde se repete várias vezes a frase "God is dead..." (influência de Nietzsche?) mostra que Mikael agora está completamente a vontade com os vocais limpos, aprimorando sua técnica e dando mais provas de que é um grande cantor.

      'I Feel The Dark' começa com dedilhados que a mim soam com um certo quê espanhol, para depois entrar Mikael com sua interpretação sombria e soturna. Então vem novamente a bateria e seu ritmo constante e hipnótico, e ainda linhas de teclado que flutuam de forma viajante. A virada que acontece na sua metade remete a um som mais clássico do Opeth, com peso mais latente e riffs mais familiares. E em seu final tudo isso se mistura numa química perfeita e marcante.

      Já 'Slither' vem numa onda diferente. Tem claras influências de Rainbow, principalmente da época que contava com Dio nos vocais. É uma faixa mais agitada e reta, de riffs mais constantes e bateria com mais pegada. Uma ótima faixa, que denota bastante versatilidade dos músicos. A face mais sombria e soturna retorna com classe em 'Nepenthe', que lembra um pouco jazz, misturado com progressivo, num balanço difícil de definir. O riff que se segue mais adiante é outra prova de o Opeth criou uma identidade marcante, pois é um dos típicos casos que você saberia na hora o que está ouvindo. Outra grande faixa.

      O começo acústico de 'Häxprocess', onde o que predominda é o vocal de Mikael, é de arrepiar. Aos poucos a canção cresce e toma mais forma, se tornando complexa e cheia de nuances, com batidas secas e quebradas de bateria, instrumentos de sopros aqui e ali, linhas de teclado impressivas, e riffs e acordes espalhados por todos os lados, mas perfeitamente custurados, terminando numa sonoridade envolvente. Uma das melhores do disco todo.

    Foi muito inteligente o clima desenvolvido na introdução de 'Famine', com batidas de intrumentos exóticos, ruídos e risadas ao fundo, tudo muito obscuro, quase macabro até. Mas quando entra um piano triste, de notas esparsas e melancólicas, a coisa toma outro rumo. Mikael aparece com uma voz mais encorpada, que abre caminho para um intrumental com bastante peso, meio arrastado em alguns momentos, que sobe e desce em quebras totalmente progressivas. É uma faixa mais longa, repleta de um feeling mais soturno e também é destaque.

      'The Lines In My Hand' é outra um pouco mais agitada, que conta com um ritmo embalado por algo que suponho (não tenho certeza) ser um acordeão em algumas passagens , que de qualquer forma soa muitíssimo interessante. A bateria tem muita cadência e o baixo é peça chave, o teclado propicia um clima psicodélico ao fundo. É de fato uma música meio estranha, mas mesmo assim esplêndida e de final empolgante.

      Logo após temos mais uma longa. 'Folklore' lembra um pouco o que se ouviu no álbum “Damnation”(2003), mas com a sonoridade proposta no restante do disco, com ares setentistas e psicodélicos. Os riffs são bonitos e chamativos, as linhas de bateria bem construídas e com Mikael mandando muito bem nos vocais. Também temos mudanças de andamentos, com pequeninos interlúdios sombrios. Excepcional!

      E o fechamento fica a cargo de 'Marrow Of The Earth', que assim como a abertura, é instrumental. Uma melodia linda de guitarra acústica, com alguns dedilhados e riffs serenos de profundida emocional latente. Dentro do que se propôs com o trabalho, foi o encerramento perfeito.

     E falando na propostado disco, eu preciso ressaltar a espetacular arte da capa do disco. Travis Smith talvez tenha ali sua obra-prima. Quem conhece um pouco da história da arte poderia facilmente ali reconhecer algumas influências. De certa forma seria uma mistura de arta sacra do século XVI, principalemnte de pintores holandeses, com uma estética de modernismo e escolas artísticas do início do século XX. Realmente uma arte maravilhosa, cheia de significados ocultos que atiçam a imaginação dos fãs.

     Eu considero Mikael Akerfeldt como um dos grandes gênios do Heavy Metal da atualidade, e o seu Opeth uma das bandas mais originais e criativas que surgiram nos últimos vinte anos. E agora este “Heritage” só vem confirmar essa minha opinião. Muitos fãs puristas simplesmete odiaram com todas as suas forças esse disco, mas Mikael foi corajoso e fez o disco que queria fazer, obscuro, tétrico e recheado de influêncais diversas, acertando muito bem a mão neste trabalho que já consta na minha lista de melhores do ano.

     A Hellion Records lançou uma versão nacional, como também dispõe de várias versões importadas e com materias extras. Não perca!

Nota 10

O Opeth é:

Mikael Akerfeldt – Vocals, Guitars, Mellotron, Piano, FX

Martín Mendez – Baixo

Martin Axenrot – Drums, Percussions

Frederik Akensson – Guitars (rhythm), Guitars (lead)

Per Wiberg – Keyboards, Hammond Organ, Piano, Fender Rhodes, Wurlitzer

Track List:

1. Heritage (02:05)
2. The Devil's Orchard (06:40)
3. I Feel the Dark (06:40)
4. Slither (04:03)
5. Nepenthe (05:40)
6. Häxprocess (06:57)
7. Famine (08:32)
8. The Lines in My Hand (03:49)
9. Folklore (08:19)
10. Marrow of the Earth (04:19) 
    
    
     

Blind Guardian em Porto Alegre

       6 de setembro de 2011 vai ser um dia que eu vou lembrar para o resto da minha vida. Acordei às cinco e pouco da manhã, peguei o ônibus escolar que sai bem do lado da minha casa e fui até o centro da Feliz, a cidade onde moro. Passei mais de uma hora aguardando na rodoviária, no frio, o ônibus da Caxiense que me levaria até Porto Alegre para ver o show da banda que eu mais amo: o Blind Guardian.

      Cheguei na capital do Rio Grande do Sul por volta das onze horas, e logo tratei de me mandar para o Bar Opinião, onde o show aconteceria. Naquela hora ainda não havia muita gente por lá, no máximo uns dez outros entusiastas como eu que faziam questão de pegar os melhores lugares diante o palco na grande hora.

      As horas que se seguiram foram absurdamente prazerosas, conhecendo novas pessoas, e também as que já conhecia de internet, de tudo quanto é lugar, que logo se tornaram bons amigos e enriqueceram ainda mais essa esplêndida experiência.

    A tarde foi pasando e a ansiedade crescendo. Mais pessoas chegaram, a fila foi se tornando longa e ruidosa, com todo mundo muito animado para ver a terceira passagem dos bardos alemães por terras gaúchas. O sol estava cruel, castigando todos nós que não tinhamos uma sombra para repousar, mas isso não foi nada, a emoção de ver a nossa banda favorita transformava qualquer desafio em facilidade.

     Por volta das seis da tarde as portas foram abertas e a pequena multidão logo tomou conta das dependências do Opinião. A ansiedade e a emoção cresciam. Sem muita demora a Magician, banda de abertura, subiu ao palco e executou seu set curto mas competente, de um Power Metal pesado e técnico. Terminado a apresentação deles tudo foi desmontado com muita agilidade, e assim entrou em cena a equipe da banda principal, que com uma rapidez quase assustadora deixou tudo pronto para a grande atração da noite.

       Quando o relógio marcou oito horas em ponto a magia começou. A intro de Sacred Worlds começou e o mundo pareceu parar de girar. Era agora, a hora tinha chegado. Até agora não sei descrever a emoção que tomou conta dese humilde escriba quando André Olbrich, Marcus Siepen, Frederick Ehmke e Hansi Kürsch apareceram diante da platéia. A abertura não podia ser mais acertada, pois Sacred Worlds tem um refrão épico e imponente, que entoado em coro por quase duas mil vozes fez as paredes do Opinião tremerem, e conseguiu sem esforço nenhum conquistar o público e colocar fogo no show.

    Logo em seguida Hansi deu mostras de toda sua simpatia, conversando com o público, interagindo bastante e arranhando um português carregado de sotaque alemão aqui e ali. Esse sujeito tem uma das presenças de palco mais impressionantes da história do metal, sem firulas, correria ou malabarismo, sua simples figura e postura já inspiram um encanto inexplicável, exalando poder, que deixa o público na sua mão logo de cara. Impressionante!

     E dessa forma então ele nos anuncia um dos grandes clássicos da banda: Welcome to Dying. Não é preciso dizer que mais uma vez a galera veio abaixo, cantando-a junto do começo ao fim, batendo cabeça e indo a loucura. Na sequência vem outra clássica indubitável, Nightfall, que Hansi fez questão de comentar um pouco a história da música, citando o abençoado reino de Arda e mais coisas do maravilhoso mundo de Tolkien. Foi outro momento marcante, a música é linda e tocante, que mexeu com todo mundo que outra vez acompanhou a banda o tempo todo.

      O disco A Twist in a Myth foi representado pela ótima Fly, que mesmo não agradando alguns puristas que só querem saber de músicas antigas, foi um arraso, empolgando a maior parte do público, com Hansi regendo a galera com completa maestria. Nota positiva aqui também para a dupla de guitarristas, que sempre dá seu show particular saltitando de um lado a outro do palco. Depois mais uma clássica (do set recheado de hinos): Time Stand Still (At The Iron Hill), que foi cantada com todo o folêgo pela platéia, impressionando a banda e os deixando muito alegres, só de ver suas expressões surpresas e sorrisos quase permamentes.

      E lá do primeiro registro da banda veio Majesty, que o público pedia incessantemente. E o pedido foi aceito, e a execução da faixa enlouqueceu o público que bradou aquele refrão espetacular com todas as suas forças. Emocionante!

      E então veio uma das surpresas da noite: Bright Eyes, do aclamadíssimo Imaginations From the Other Side. Muita gente surtou de alegria por essa música, e mesmo com o Hansi dando uma escorregada na letra, satisfez todo mundo e foi inesquecível. E logo em seguida a segunda surpresa da noite: Ride into Obsession, uma das mais velozes e pesadas do disco novo. Segundo o vocalista era um desafio, pois ele fora tocada ao vivo apenas uma vez antes. Sendo desafio ou não, eles se superaram e tocaram ela brilhantemente e presentearam os fãs gaúchos com uma faixa exclusiva no set!

     A intensidade diminui um pouco quando o universo de Tolkien deu novamente as caras no palco do Opinião. A intensidade sim, mas a emoção não. Lord of the Rings uniu todos novamente numa só voz, num coro de arrepiar e trazer lágrimas aos olhos. Fantástico, sem outra definição melhor. E como show do Blind Guardian sem Valhalla não é show do Blind Guardian, esta clássica mor (talvez o maior hino da banda) não poderia faltar. Como é de costume foi um dos ápices da apresentação, com o refrão elevado aos céus por milhares de vozes fervorosoas, e que se prolongou por vários minutos, arrancando sorrisos da banda e uma alegria que era claramente notada. Algo que vai estar em nossas memórias para sempre.

      E o set regular terminou com a espetacular, épica, emocionante e mágica And Then There Was Silence. Muita gente torce o nariz para essa música, mas é uma das minhas faixas favoritas da banda, e foi uma emoção indiscritível ouvi-la ao vivo. Os refrões foram os ápices de grandiosidade e impacto, tão marcantes para mim que me levaram às lágrimas em alguns momentos. E de novo o público mostrou seu entusiasmo repetindo incansavelmente os “la la la la la” da parte final da canção, pulando e festejando.

     O encore começou com Imaginations From the Other Side, só mais uma na lista de clássicos da noite. O público já estava em êxtase e foi no embalo da música do início ao fim. Depois veio o momento que com certeza todos esperavam: as guitarras foram deixadas de lado, sendo trocadas por violões, e assim a magia de The Bards Song – In The Forest começou. De fato não preciso dizer o que se passou, não? Mais uma vez, todas vozes se tornaram uma só.

      Por fim, a apoteose. Mirror Mirror é outro hino que todos os fãs amam intensamente e que sempre fecha com chave os shows, e sendo assim, não poderia ser diferente nas terras gaúchas. O êxtase foi geral, de uma sensação que fica difícil de descrever com simples palavras. Quando terminou, a felicidade era tamanha que poderíamos todos ficar ali mais umas duas ou três com show que nínguem se cansaria.

     O Blind Guardian é apenas uma banda de metal, com 4 caras (que se tornam seis mais o baixista e tecladistas contratados) em cima de um palco tocando música muito boa, sem firúlas, sem pirotécnias exageradas ou outros badulaques desnecessários. São caras que amam o que fazem, que adoram seus fãs, são simpáticos e amáveis, e não atoa sãolendas do Power Metal.

      Foi simplesmente perfeito.

     Quando coloquei os pés dentro de casa no dia seguinte tinha a maravilhosa sensação de missão cumprida. Acordar muito cedo, horas dentro de um ônibus, horas de espera embaixo do sol abrasivo, o calor dentro da casa, o aperto, cada centavo gasto nesta aventura, tudo, absolutamente tudo, valeu a pena. Foi emocionante, a realização de um sonho. Eu chorei sim, não tenho vergonha de admitir. Foi um choro discreto de emoção verdadeira, não de histerismo barato por algum ídolo industrializado. Foi mágico. Foi perfeito. 

 

Set list:

Sacred Worlds

Welcome to Dying

Nightfall

Fly

Time Stand Still (At The Iron Hill)

Majesty

Bright Eyes

Rido into Obsession

Lord of the Rings

Valhalla

And The There Was Silence

Encore:

Imaginations From the Other

The Bard's Song – In The Forest

Mirror Mirror

    E antes de terminar, alguns agradecimentos: Marina, Mariana, Lineker, Andrew, Alexandre e toda o pessoal que tornou a espera na fila suportável e muito divertida. A Abstratti produtora por ter trazido a banda a Porto Alegre e proporcionar o dia mais feliz da minha vida. Ao meu grande amigo Felipe Stoll, que lá em 2008 no nosso segundo ano do ensino médio me apresentou a banda (meu bruxo, te devo muito!). E como não podia deixar de ser, ao Blind Guardian, pelos melhores momentos que eu já vivi até aqui.

Edguy - Age of the Joker

     Sem muito alarde nem muita propaganda, Tobias Sammet e seu Edguy entraram em estúdio na Alemanha para gravarem seu nono álbum de inéditas.

    O Power Metal melódico e acelerado dos primeiros discos não é mais uma realidade da banda, e com o passar dos anos Tobias se mostrou corajoso e passou a desbravar novos horizontes musicais. O ápice dessa busca por novas sonoridades se consolidou definitivamente no último disco, “Tinnitus Sanctus” (2008), onde a veia hard rock ficou muito mais saliente, assim como uma forma diferente de lidar com o peso, se tornando algo mais denso e obscuro, talvez menos alegre e debochado do que nos acostumamamos a ouvir deles. Na minha opinião pessoal, achei “Tinnitus Sanctus” um grande disco, diversificado, ousado e mais uma prova de toda a versatilidade musical que Tobias Sammet dispõe. E nesse cenário vem à luz do mundo este “Age of the Joker”.

     Numa primeira audição pode soar como um álbum confuso e demasiado longo, e de fato foi o que ocorreu quando o ouvi pela primeira vez. Mas em seguidas audições a ideia concebida para ele vai ganhando forma, e a coesão e firmeza do álbum se tornam evidentes e marcantes. De certa forma imagino ele como se fosse uma bem dosada mistura entre os discos mais antigos com o trabalho recente, algo como jogar num liquidificador “Mandrake” (2001), “Hellfire Club” (2004) e “Tinnitus Sanctus” (2008).

       Logo de cara tem uma faixa longa e épica, 'Robin Hood' e seus 8 minutos de duração. É o bom humor voltando com mais força nos temas da banda, vide o hilário clipe feito para ela. É uma música cheia de variações, de bons riffs e um daqueles refrões típicos e empolgantes que o Edguy sabe fazer com maestria. Tem elementos de Hard muito bem mesclados com Heavy, teclados marcantes e uma cadência agitada. Uma bela forma de começar os trabalhos.

       Em seguida temos 'Nobody Hero', um bom exemplo de metal melódico contemporâneo, pesada, sem ser necessariamente na velocidade da luz e com um refrão inteligente e fácil de acompanhar. Os riffs são muito bem executados, num estilo bem alemão de se fazer metal. A interpretação de Tobias também é boa, mandando notas altas mas sem exagerar. Uma ótima faixa.

     'Rock of Cashel' é outra bastante épica e grandiosa. Tem um certo quê medieval cativante, que liricamente remonta a fase antiga da banda. As guitarras soam muito bem nesta, num timbre interessante, e Tobias novamente não deixa a desejar. Ressaltar o refrão mais uma vez é descenessário, não?

       Na onda de mesclar influências também podemos destacar com primazia 'Pandora's Box'. Temos aqui um bom bocado de country music e blues, que dão uma cara classuda para o som, com pegada e atitude. E isso misturado com o peso e a distorção do metal redundou numa sonoridade realmente única, com Tobias interpretando de uma forma até surpreedente, indo das notas altas do refrão até um vocal mais sujo e rouco nas partes lentas. Uma das melhores do disco com certeza!

     Logo em seguida vem uma que deve agradar aos saudosistas: 'Breathe'. Uma faixa animada, cheia de energia, mais acelerada, com linhas de teclado simples mais muito bem colocadas e que, creio eu, seria muito bem recebida nos shows. Um exemplo de que o Edguy evoluiu sem perder a identidade.

    'Two ou of Seven' é talvez a mais Hard Rock do disco. Tem linhas de teclando similares a da faixa anterior, porém é muito mais cadenciada, numa batida meio oitentista, de riffs marcantes e um solo inspirado. Aliás, nota muito positiva para a gravação das guitarras de Jens Ludwig e Dirk Sauer, que ao longo do disco todo soa sempre muito bem. E é outra que seria muito legal de ouvir num show, o refrão é perfeito para ser cantado com toda vontade por uma platéia. O mix de Hard com Heavy volta com tudo em 'Faces in the Darkness'. Cheia de peso, grandes riffs e o baixo muito bem colocado. Tem um ritmo forte, intenso e um quê venenoso bem Hard Rock. Outro destaque da bolacha.

      Totalmente old school é a canção seguinte, 'The Arcane Guild'. Super acelerada, de riffs cortantes, com solos elaborados e a bateria de Felix Bohnke ensandecida. Uma ótima música, um resgate das raízes inteligente e agradável, que não parece batido ou auto-plágio. Vamos caminhando para o final do disco. Agora é a vez de 'Fire in the Downline', que começa baixinha e soturna, mas cresce, ganha forma, peso e corpo. Tem um bom refrão, bastante peso e uma energia intensa. Mais uma das ótimas composições deste disco.

     'Behind the Gates to Midnight World' aposta mais numa veia progressiva, repleta de variações e quebras de ritmo, assim como seus riffs e linhas de teclado também são relativamente calcados numa proposta prog. O refrão é muito bom, assim como as pontes, e a letra como um todo é boa igualmente. É de fato longa, mas nem por isso cansativa. Outro ótimo exemplo da criatividade a nível industrial de Tobias Sammet como compositor.

        E pra fecharcom chave de ouro vem a tradicional balada que tem em todo disco do Edguy. Baladas essas de muito respeito, digasse de passagem,e 'Every Night Without You' não foge a regra. Daquelas músicas tocantes, repletas de feeling, com um solo digníssimo e um coral no refrão que fala ela ficar bem grandiosa. Uma música linda que fecha o álbum maravilhosamente bem.

      Por fim, “Age of the Joker” é um disco que conseguer ser alegre e sério ao mesmo tempo, uma equação perfeitamente equilibrada das peripécias de Sammet e sua trupe ao longo dos anos. Ousado, seguro e consciente. Épico, melódico e bem humorado. Acho que esses são adjeitvos que resumem bem o que se ouve na agradável uma hora de duração do disco.

      O Edguy chegou a maturidade musical. Foi uma jornada que dividiu opiniões e continuará a dividir. Tobias é um workaholic incansável e inquieto, que nunca se acomoda em alguma sonoridade específica, e nessa maturidade atingida, imagino que as ideias aflorarão com ainda mais força e intensidade, e o futuro da banda há de ser de mais e mais ótimos discos.

          A versão nacional vem com CD bônus cheio de material extra. Não perca!

O Edguy é:

Tobias Sammet – Vocais

Jens Ludwig – Guitarra

Dirk Sauer – Guitarra

Tobias Exxel – Baixo

Felix Bohnke – Bateria

Track List:

1. Robin Hood (08:26)
2. Nobody's Hero (04:33)
3. Rock Of Cashel (06:20)
4. Pandora's Box (06:47)
5. Breathe (05:05)
6. Two Out Of Seven (04:29)
7. Faces In The Darkness (05:24)
8. The Arcane Guild (05:00)
9. Fire On The Downline (05:48)
10. Behind The Gates To Midnight World (08:58)
11. Every Night Without You (04:52)

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